SILVIA TEIJEIRA – “Latiendo” - 2009


Hoy les acerco la música de Silvia Teijeira, pianista y compositora entrerriana (mas precisamente de Federal), quien interpreta la música argentina de raíz folclórica, en piano solo.
El álbum que les traigo es su segundo trabajo (el anterior es “Rulos de Zamba” del año 2005) se llama “Latiendo y fue grabado entre 2008 y 2009, donde interpreta composiciones propias y temas de otros autores nacionales.
Su currículum dice que estudio con Hilda Herrera, Luis M. Mucillo, Raúl Barboza, Carlos “negro” Aguirre, Walter Heinze, Lilián Saba, Joshua Eddelman y Claudio Gabis, pero eso no es lo mas importante…sino su música y su modo de interpretar nuestra música en el piano.
Todas las versiones que integran este trabajo son arregladas por la propia Silvia, a excepción de “Chumbeao” y “Tientos cruzados” de Remo Pignoni (músico de Santa Fé, mas precisamente de Rafaela) quien escribía para piano, además de “La isla” del rosarino Rodolfo “chacho” Muller.
En mi modo de oír se destacan: “Alma negra” en donde Silvia se luce mostrando matices diferentes en la interpretación, también destaca “Naranjas, burrito, albahaca…cedrón?” con un comienzo mas cercano a una obra clásica y que va tomando clima a medida que avanza el tema, por último la preciosa versión del Cuchi de “Balderrama” donde Silvia despliega todo su sentimiento en estado puro al interpretar bellísimamente este clásico de nuestro folclore.-
Silvia Teijeira solo, con sus manos en el piano, genera sonidos muy encantadores y de disfrute intenso. En 13 piezas de ritmos del folklore argentino, le alcanza y sobra para completar una obra muy fina, clara y directa.
En el trabajo se percibe que Silvia Teijeira es, además de una gran pianista, una amante de la música de nuestra tierra,
Esto se pone de manifiesto no sólo en la elección del repertorio y sus composiciones, sino mas bien en la obra como una totalidad que expresa lo que Silvia Teijeira muestra cuando se sienta al piano.
Es de destacar el sonido del piano, como la elección en la duración de cada tema (promedian los tres minutos), lo cual concluye con un mensaje contundente y sin vueltas.
Música para disfrutar con el corazón…ultrarecomendado.

JEFF BERLIN – “High Standards”

Hoy con Uds. el virtuoso bajista Jeff Berlin (reciente visitante de nuestro país junto a Scot Henderson y Denis Chambers), con su nuevo álbum “High standards”.
Jeff Berlin es un bajista de fusión que ha tocado con importantes músico de jazz rock como, Allan Holdsworth, Bill Bruford y Kazumi Watanabe
En el álbum Berlin es acompañado por el pianista Richard Drexler y el batero Danny Gottlieb.
“High Standards”, es el primer álbum donde el bajista se inclina por una lista de stándards con unos arreglos poco usuales.
En ese derrotero destacan: “Groovin’ High” de Dizzy Gillespie en un up-tempo con una melodía brillante.
También es bellísima la versión a dueto de bajo y piano del clásico de Maurice Ravel “Valse Nobles et Sentimales Nro. IV“.
Dos composiciones de Miles Davis engalanan el trabajo: “Nardis” y “Solar” donde se aprecia la influencia de Tonny Williams en el modo de tocar la batería de Gottlieb.
Otro punto fuerte es “Invitation“, donde Drexler marca la melodía por medio de unas frases hermosas y con un groove increíble.-
La versión de “Body and Soul” es a la vez moderna y con un toque al mejor estilo Ellington.
En definitiva, clásicos y/o standards del jazz interpretados en modo magistral y con puro sentimiento.

JOHN LEE HOOKER & MILES DAVIS - "The Hot Spot"


Álbum incunable, la unión de Miles con la leyenda del blues John Lee Hooker, en la banda sonora de una película decididamente “mala”.
Lo único destacable de la película  es la banda sonora, compuesta por Jack Nitzsche e interpretada nada más y nada menos que por el genial trompetista Miles Davis y los bluseros John Lee Hooker, Taj Mahal y Roy Rodgers.
Es un álbum de blues clásico engalanado por la magia del gran Miles Davis. 
A lo largo de la grabación John Lee Hooker consigue crear una atmósfera muy blusera, y por demas simple, pero tremendamente sincera, mientras que Miles Davis esta muy contenido, centrándose mucho más en que la melodía sea clara y conjugue bien con la guitarra que en lucirse en solos virtuosos.
Para acompañar a estos músicos hacía falta una buena sección rítmica que esta compuesta por Earl Palmer, el baterista que participara en discos de Cannonball Adderley y Tom Waits entre otros y el bajista Tim Drummond conocido por sus colaboraciones junto a grandes del blues como Bob Dylan, Eric Clapton y Neil Young.
Del CD recomiendo sin lugar a dudas el track 7 "Bank Robbery", que es una maravilla de fusión entre blues y jazz con un tempo justo.
Dicen, por allí, que en la fusión de estilos está la evolución de la música, y eso se aprecia en el resultado de este disco entre estos dos grandes músicos afro americanos.

Richard BONA - “Festival Jazz Vittoria 2003”

Gracias a nuestro amigo cordillerano (antiguo habitante de Sevilla), que trabajo en los diferentes Festivales de España como sonidista, les traigo este show de Richard Bona directo de consola (calidad 100%). 

La particularidad de cualquier show del africano Bona, es que sobre el escenario tiene la cualidad de combinar música pop interpretada en su propia lengua materna combinada con jazz fusión.
El bajista muestra en este show el gran poder que tiene su banda y la capacidad para construir con gran fluidez el discurso entre todos sus integrantes.
Esto se da porque la música de Bona no apunta al desarrollo jazzístico individual, sino que es una música en equipo.
No tiene desarrollo a través de solos ni armonías, ya que gran parte de su trabajo se basa en canciones de estrofas y estribillos, de muy finos arreglos.
Eso es lo que se van a encontrar en este post, que de mas esta decirlo suena de maravillas.




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CHUCHO VALDES - Chucho's Steps - 2010

Hoy traemos al gran maestro del Latin Jazz, el pianista Cubano Jesús “Chucho” Valdés con su ultimo trabajo titulado “Chucho's Steps”.
Donde retorna al trabajo mas latín que siempre lo ha caracterizado y que ha sido su sello distintivo, aunque en este CD llama la atención el carácter de algunos temas y pasajes, impregnados de un espíritu afín al homenaje individual o colectivo.
En el álbum se destaca  lo ingenioso de algunos títulos, como “Zawinul Mambo”, “Begin to Be Good” o “Las dos caras”.
Por ejemplo, el primero es obviamente un homenaje al gran tecladista y codirector de Weather Report. Así como Chucho’s Steps es homenaje a John Coltrane y es el track emblema del disco, como una respuesta  al propio John Coltrane sobre cómo hacer un crucigrama similar a Giant Steps.
El tema “Las dos caras”, que pueden ser más de dos, es un un caleidoscopio de ritmos afrolatinos, a partir de un núcleo temático inicial.
También destaca “Danzón” que lejos de ser imagen de lo tradicional y “típico”, lleva el sello de Chucho Valdés, comenzando como un tema lento (canción, balada o bolero) por el saxo tenor Carlos Miyares, seguido por pasajes rítmicos con atmósfera de danzón y pasando luego al chachachá.
“New Orleáns” en sólo 4:45 de duración, homenaje a la familia Marsalis y a la “Ciudad Madre del Jazz”, siendo un track que tiene variantes de interés y termina con una improvisación colectiva “a lo Nueva Orleáns”.
Por ultimo “Yansá” se inspira en la música de culto y ritual, de homenaje a Orisha donde los efectos y recursos musicales para evocar lo sagrado son muy libres e incluyen el manejo directo de las cuerdas del piano y la libre improvisación colectiva, especialmente impactante es el canto a Oyá, a cargo del coro y su líder y voz solista Dreiser Durruthy Bombalé, así como los imprescindibles batá, los tambores sagrados de los yoruba.
En síntesis, el CD resulta excepcional por reunir experimentación con virtuosismo y espontaneidad donde se combinan fundamentalmente cuatro lenguajes musicales con gran efectividad: hard bop, jazz modal, free jazz y música ritual afrocubana.
Chucho demuestra que no es una fórmula, es una forma expresiva que no solo se disfruta a plenitud, sino que sobre todo deja un mensaje y señala uno o varios caminos a seguir.
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MARCELO DELLAMEA - “Calle 11”

Este es el álbum de Marcelo Dellamea, llamado “Calle 11”.

Marcelo es un joven músico nacido en Resistencia, Chaco; y que ya a temprana edad comenzó a tocar la guitarra junto a su hermano Hugo.
En su curriculum musical podríamos contar que su año de suerte fue el 2006, ya que a la edad de 14 años, conoció circunstancialmente al reconocido guitarrista argentino, Luis Salinas, quien sorprendido por sus condiciones musicales lo invitó a participar en la presentación de su disco “Muchas Cosas” en el Teatro ND Ateneo de la Capital Federal y luego lo invitó a grabar en su trabajo discográfico “Clásicos de Música Argentina y algo mas…”
Ya en el año 2008, fue invitado por el acordeonista, “Chango” Spasiuk, a tocar en el Festival Nacional del Chamamé – Pcia de Corrientes, quien además lo convocó para grabar en su último material discográfico “PYNANDI”, en el cual grabo la primera guitarra.
Este “Calle 11”, su primer trabajo discográfico, fue grabado en la Ciudad Autónoma de Bs. As. y ha sido editado por el sello DBN, donde toca junto a su hermano Hugo e importantes músicos invitados como Luis Salinas, Chango Spasiuk, Javier Lozano, Facundo Guevara, entre otros.
Destacan en el trabajo discográfico: La hermosa versión de “Km. 11”, la interpretación de “Cuéntale de mí” donde Marcelo se luce cantando y tocando su guitarra, también recrea junto al Chango Spasiuk el tema que le da nombre al álbum del acordeonista “Pynandi” , por supuesto junto a Luis Salinas recrean “En lo del viejo” con ese estilo tan personal de fundir las dos guitarras.
Música muy buena para disfrutar y gracias al Comandante, que la comparte, podrán escuchar a esta joven promesa de nuestra música nacional…

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PABLO VALOTTA “Música de Camaradas”

Hoy les traigo la obra de un excelente músico argentino, el bajista Pablo Valotta quien nos ofrece su estilo personal de interpretar y componer, en su segundo disco llamado “Música de Camaradas”.

Primero que nada, agradecerle al mismo Pablo quien autorizo “expresamente” al Comandante Seisgarfios a que compartiera su música con todos los melómanos que nos visitan en este blog.
Pablo Valotta es egresado del Conservatorio Nacional " Carlos Lopez Buchardo", y ha tocado con innumerables músicos de la escena local entre ellos: Nicolás Colacho Brizuela, Juanjo Hermida, Daniel Pipi Piazzolla, Juan Cruz de Urquiza, Carlos Campos , Rolando Oso Picardi y La Bomba de Tiempo, entre otros..
Este su segundo álbum fue grabado en los Estudios Mandarina y Pablo lo fue “craneando”  y componiendo mientras pensaba que canciones lo habían influenciado o cuales les gustaría grabar.
“Música de Camaradas” es una placa de primera toma, casi sin ensayos, en donde los músicos se fueron juntando en el estudio y tocaban al unísono las partes, lo que le da un aire muy especial y una frescura exquisita. Los ritmos en que se adentra van desde el tango, la bossa, el rock y el jazz.
Los músicos que participan son Nicolás Guerschberg, Pablo Rodríguez, Juan Cruz de Urquiza, Alan Plachta, Juampi Francisconi y Lucas Helguero.
Destacan entre sus temas: “Viene clareando” de Atahualpa Yupanqui donde Pablo marca la melodía con su bajo y se enlaza con el piano de Nicolás Guerschberg a la perfección, por otra parte el propio Valotta da cuenta de su versatilidad componiendo e interpretando el solo de bajo “El viento me trae tu perfume”, es bellísima la versión del clásico de Luis Alberto Spinetta “No te busques ya en el umbral”, como así también “Mi canción” del gran maestro uruguayo Hugo Fattoruso y “Renata María” de Chico Buarque e Ivan Lins a dúo de bajo y teclado.
Realmente un álbum que vale la pena escuchar de un excelente músico y, por supuesto, recomendado por el Comandante como un muy buen disco, para todo melómano que se precie de tal…


Web: http://www.pablovalotta.com.ar/

 Pass: melomanoalsur

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METHENY & MEHLDAU Vivo Festival Jazz San Sebastián 2007

Lo de hoy es un incunable y no tiene precio...
Es el show de Pat Metheny y Brad Mehldau en el Festival de Jazz de San Sebastián en España en el año 2007, grabado de consola, si de CONSOLA!!!
Esto llega gracias a un amigo (que no quiere ser nombrado) pero que habita suelos cordilleranos y es muy generoso con los melómanos...
La primera parte es ellos dos a dúo de guitarra y piano y en la segunda parte se le suman Jeff Ballard en batería y Larry Grenadier en contrabajo.
A lo largo del show se escucha a Metheny buscando la melodía, y desarrollando unos solos claros y reconocibles , apoyandose en la versatilidad del contrabajista y el baterista. En tanto Mehldau enfoca sus improvisaciones de forma sumamente intelectual, elige cuidadosamente cada nota .
Los cuatro músicos demuestran a lo largo del show su jerarquía en todo momento, regalando detalles impagables. Larry Grenadier ofrece un sonido compacto, imaginación y precisión rítmica. Jeff Ballard es el apoyo del cuarteto con solidez, brillando especialmente en sus intervenciones solistas.
No mas palabras, esta todo dicho para cualquier melómano que se precie de tal...
PARTE 1
PARTE 2

Por favor dejen comentarios, el Post lo merece!!!

BENAVENT, PARDO, DI GERALDO “Sin Precedentes”

El trío de Carles Benavent, Jorge Pardo y Tino Di Geraldo apareció como continuación de las grabaciones del sexteto de Paco De Lucia que hizo historia en la música de fusión del flamenco con el jazz.

En aquel sexteto empezó a desarrollarse la improvisación sobre el soporte de la rítmica flamenca, con una actitud jazzística y basándose en las composiciones de Pardo y Benavent.
El trío anteriormente había registrado dos conciertos realizados en el Teatro Central de Sevilla en Diciembre de 1999 y editado bajo el nombre de “El Concierto de Sevilla”, donde juntos repasaban temas de sus carreras discográficas.
En este su último álbum “Sin Precedentes” se recogen composiciones originales de Benavent, Di Geraldo y Pardo.
Casi una década se han tomado Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino di Geraldo para volver al ruedo discográfico. El saxofonista, el bajista y el batería hacen, según Jorge, “una puesta al día de la propuesta” que, hasta ahora, sólo se había plasmado en ‘El directo de Sevilla’. La evidente diferencia con aquel primer álbum es el trabajo en estudio. Para Carles es “un disco para escuchárselo muchas veces”. Para Jorge, “un disco sin precedentes... en la historia”
Amantes del Flamenco Jazz no se lo pueden perder…
COMENTAR es agradecer!
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Rubén JUAREZ -“Mi bandoneón y yo” 1969


Hoy les dejo un incunable: la primer grabación de Rubén JUAREZ del año 1969, “Mi bandoneón y yo”.
Rubén “el negro” Juárez nació en la provincia de Córdoba, pero ya a los dos años de vida su familia se traslada a Avellaneda, instalándose en el barrio de Sarandi. A los seis años comenzó a estudiar el bandoneón y a los 16 años formo una banda de rock llamado “Los Tammys”, donde estaba como cantor Jhony Allon.
Ya a partir del año 1960 recorre peñas, clubes de barrio, reuniones y se le anima a algún concurso, ya con el gustito del Tango en los labios.
Cuenta la historia que cuando lo escucho Aníbal Troilo “Pichuco”,, le pidió ser su padrino y Rubén lo recibió y acepto como el maestro e ídolo que era. En la intimidad “Pichuco” llego a decirle que lo sentía como al hijo que no tenia.
Compartió escenario con Fito Paez, Juan Carlos Baglietto, Raúl Lavie, Chico Novarro, Jose Angel Trelles, Maria Graña, Mercedes Sosa, Diango, Joan Manuel Serrat, el “Polaco” Goyeneche, Luis Salinas, Maximiliano Guerra, Julio Boca y Eleonora Cassano y Charly García entre miles de artistas reconocidos a nivel Internacional.
En 2006 fue declarado ciudadano ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, por su trayectoria nacional e internacional en el campo de la música popular.
Este año 2010 quiso que ya no estuviera entre nosotros, pero su musica seguirá con nosotros por siempre
Este trabajo “Mi bandoneón y yo” fue grabado en el año 1969, gracias a Horacio Quintana quien fue la llave que le abrió las puertas del boliche “Caño 14” y del sello grabador “Odeón”, donde registró esta su primera grabación con acompañamiento orquestal de Carlos García. : Donde se destacan el tango que le da nombre al disco, “Para vos Canilla” y la versión de “Sueño de barrilete”.
ULTRARECOMENDADO...descarguen esto por que es una joya y la voz del “Negro” es alucinante...


EL TERCETO – “Tocatangó” 1999

Homenaje a un grande de la música de nuestro país: Norberto MINICHILLO quien fuera baterista y creador del Trío EL TERCETO allá por 1993.

El trío lo formaba junto a Hernán Ríos en teclados y Pablo Tozzi en contrabajo, fueron dueños de una propuesta original y además Norberto era un referente fundamental dentro de la música argentina.
Abordaban un repertorio basado en música popular, experimentando con los diferentes ritmos argentinos y latinoamericanos. Su sonido siempre fue difícil de clasificar: jazz, tango y folklore convivían en una combinación única.
Se presentaron o en los escenarios más importantes de Buenos Aires e interior de la Argentina, en programas de radio y televisión, y concretado numerosas giras internacionales (México, Estados Unidos, etc.).
Este álbum que comparto hoy “TOCATANGÓ”, esta centrado en el tango, y es el tercer disco con unos toques personales e intensos y que contiene verdaderos hallazgos, por tratamiento de los temas y por la originalidad del camino elegido.-
 
Enlace:

www.elterceto.com.ar/

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DANIEL MAZA TRIO – “Vamo’ Arriba”

Daniel Omar Correa Suárez, apodado “Maza” en su juventud, nació en 1959 en el barrio Montevideano de Cerro, Uruguay y es uno de los más reconocidos bajistas del vecino país oriental. Para nosotros es simplemente el Gordo Maza…
Daniel ha tocado con grandes figuras de la música como: Djavan, Celia Cruz, Horacio Fontova, Hugo Fattoruso, Liliana Herrero, Raúl Carnota, Gillespie, Alejandro Santos, Juan Batuone, Edelmiro Molinari, etc.
Pero con quien mas se destaco fue con el gran guitarrista argentino Luis Salinas, con quien compartió muchos años de escenarios y giras.
Su música es una mezcla exacta de bolero, jazz, funk y mucho, pero mucho candombe.
Hoy les dejo su álbum de 2005 “Vamo’ arriba”, donde el propio Maza toca el bajo y pone las voces, siendo acompañado por Abel Rogantini en piano y el gran Osvaldo Fattoruso en batería (además de la participación de Yeye “Caboca” López en percusión)
En el disco destacan los boleros “Así como ayer” y “Dame una oportunidad” interpretados vocalmente de forma magistral por Maza. Por supuesto su onda funk en “Urufunk” esta mas que presente y el cierre del álbum con su destreza en las cuatro cuerdas de “Fantasías animadas”.
Música del otro lado del Río de La Plata para alivio de oídos cansados...para escuchar y disfrutar!!
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Medeski, Martin & Wood - "Radiolarians II"


El próximo 18 de Mayo arriba por primera vez a Neuquén el trio “inclasificable” Medeski, Martin & Wood y darán un show único en el Cine Teatro Español, para aquellos que no los conozcan les advierto que no es otro trío de piano, bajo y batería. Aunque, si de instrumentos se trata, ésta es una verdad, pero, tratándose de Medeski, Martn & Wood no es toda la verdad, y hay que estar preparado para todo.
Por eso les dejo uno de sus últimos discos: “Radiolarians II”, el cual se desarrolla dentro del eclecticismo musical del trío.
Inicia con un tema que es casi fusión jazz – hard rock, “Flat tires” pasando por un acid jazz en “Junkyard”, luego algo de jazz casi hard bop a la mitad del disco “Padrecito”, Luego “Riffin’ Ed” y “Amber girls”, suena mas bien con un tono cuasi electrónico, para finalizar en un aire de blues increíble con “Baby, let me follow you down”.-
Ellos viene tocando juntos hace 17 años y el único trío de jazz que los supera en antigüedad y se encuentra en actividad hoy es el de Keith Jarret con Gary Peacock y Jack DeJohnette.
Es impactante la forma, la cantidad y la calidad de música que interpretan; Medeski cambia de teclados con una naturalidad innata, agrega efectos, loops, distorsiones; Wood le da el complemento exacto con el bajo tocando de toda forma posible (slap, pizzicato, arco) y Martin ataja y sostiene desde su batería funcionando como eje rítmico del trío.
...un disco complejo; muy recomendable si Ud. abre su mente, deja de lado los prejuicios, y se anima a una experiencia distinta en el campo del jazz, eso si, una sola advertencia: no es el disco mas recomendable para hacerle escuchar a tus tías .


DIEGO AMADOR “Río de los Canasteros”

Último CD del gran pianista gitano Diego Amador, hermano menor de los integrantes de Pata Negra Raimundo y Rafael Amador, quienes hacían de la fusión del blues con el flamenco todo un arte.
El menor de los hermanos tiene un curriculum que asombra, habiendo colaborado y compartido escenarios con músicos como Chick Corea, Birelli Lagreene, Luis Salinas, Carles Benavent y Charlie Haden, entre otros.

Oriundo de Sevilla, mas precisamente del barrio de 3000 viviendas, a él le tiraba más el jazz pero siempre con un aire flamenco y eso es lo que ha ido plasmando a lo largo de su carrera.
Apodado “El Churri” Amador es un pianista exquisito no sólo por sus extraordinarias dotes pianísticas sino por su particular forma de entender e interpretar el piano dentro de la música flamenca.-
En este trabajo esta acompañado por el baterista mexicano Israel Varela, el bajista Julian Heredia y su hijo Diego en percusión
Aquí el pianista da rienda suelta a una de sus facetas más preciadas, la de cantaor, donde el jazz queda más de lado, tomando protagonismo absoluto el flamenco y el asombroso talento del propio Diego Amador, que produce, compone, canta, toca el piano, el bajo y la guitarra.-
El disco combina lo clásico y lo moderno del flamenco, donde se destaca el piano Yamaha de Diego y la guitarra invitada de Tomatito que parecen conversar en los tangos ‘Sangre milenaria’.
Luego se destaca la perfección de su voz en las alegrías ‘Miel y sal’, y en los fandangos ‘Calle las flores’ donde participa como invitado de lujo en el bajo Carles Benavent, otro punto alto es ‘Mi flamenca’, acompañado al cante por La Susi.
El cierre del álbum es lo mejor del mismo con el tema: “Al latín”, con las guitarras invitadas del argentino Luis Salinas y su hermano Raimundo Amador, en un sentido homenaje al latin-jazz y sus admirados Bill Evans y Chic Corea.


BENNY GOLSON "NEW TIME NEW TET"

Para compartir: Uno de los pocos que quedan de los años dorados; una de las leyendas vivas del jazz que a sus jóvenes 80 años sigue grabando.
Benny Golson en una nueva encarnación de su música: “New Time New Tet” publicado en el 2009 y sin edición aun en Argentina
El sexteto forma con el propio Golson en saxo tenor junto a Eddie Henderson en trompeta, Steve Davis en trombón, Mike LeDonne en piano, Buster Williams en contrabajo y Carl Allen en batería.

Con varios temas propios, clásicos inoxidables de la autoría de Golson, como “Whisper Not”, donde pone su voz Al Jarreau mas un inédito “Uptown afterburn”, junto a dos clásicos uno de Sonny Rollins: “Airegin” y el otro de Thelonius Monk: “Epistrophy”. Además de dos adaptaciones al lenguaje del jazz de temas de música clásica en un caso “L’Adieu” de Frederic Chopin, y el otro tema es “Verdi’s Voice”, basado en el compositor italiano Giuseppe Verdi.-
La banda tiene un sonido muy ajustado y Henderson y Davis a lo largo del disco son quienes sostienen la idea musical, particularmente Davis quien demuestra ser un grande del trombón, quizá a la altura de maestros de la talla de J.J. Johnson. La base rítmica sostiene de forma impecable la tarea de los solistas, con buenos aportes cuando se los solicita, muy bien LeDonne en el piano, notable la tarea de Buster Williams en bajo (una columna de acero y concreto) y un gran swing de Allen.
Muy buen disco, totalmente recomendable, jazz muy lindo de ser escuchado e ideal para cualquier ocasión y una demostración de la sabiduría de un grande que ha escrito su nombre con letras de oro en la historia del jazz.
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CHAD SMITH'S BOMBASTIC MEATBATS


Este post es un poco mi capricho...y gracias a Sergio "Bomba" Guzman
Es el proyecto de Chad Smith (para los que no saben: batero de Red Hot Chilli Pepeprs) y a mi modo de ver el mejor y “mas negro” baterista del rock, en cuanto a su modo de tocar, su groove y sobre todo su swing a la hora de interpretar música negra: funk, jazz o blues.
Acompañan a Smith en esta aventura, llamada Bombastic Meatbats, el guitarrista Jeff Kollman, el tecladista Ed Roth, y Kevin Chown al bajo.
El disco es íntegramente instrumental, surgido de las improvisaciones de la banda, y donde se destacan pasajes más cercanos al jazz que al rock, con toques del funk.
Entre los temas destacan “Need Strange” con un ritmo funky setentista y donde sobresale el sonido de batería de Chad (como en todo el disco),. Dos temas destacan el trabajo del violero Kollman: por un lado “Oh! I Spilled My Beer” con unos efectos bien funk, “Death match” con un sonido wa-wa y “Pig Feet” con las guitarras más rockeras y cortadas.
Los temas más relajados son “Battle For Ventura Blvd.” e “Into the floyd” con un sonido psicodélico que en su título ya muestra hacia donde apunta .
También esta muy bueno el tema “Bread balls” con un aire jazz y blues de guitarras más saturada y agudas
Música de alto nivel, algo difícil para los más habituados a sonidos menos elaborados, pero que encantará a los seguidores de estos virtuosos en su versión más experimental.
Fanáticos de Red Hot Chilli Pepers abstenerse

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Larry McCray en Vivo

A modo de anticipo de lo que sucederá en Neuquén el 22 de Abril, le traigo el trabajo discográfico, en vivo, de una de las nuevas figuras del blues: Larry McCray
Este excelente guitarrista de blues se presentara en esa fecha en el Alto Valle del Río Negro y Neuquén en la sala Rainbow del Casino Magic.-
Aunque no es la primera vez que visita el país, había ya tocado en la década del noventa como guitarrista de otros músicos americanos que vinieron por estos lares
Quizás su pergamino mas grande es haber tocado con dos leyendas del blues como: Albert Collins y Albert King.
Oriundo de Magnolia (Arkansas), lleva editado 7 discos.
En el 2000 fundó su propio sello discográfico independiente, “Magnolia Records”, y bajo su propio sello editó este su primer disco en vivo: “Live on interstate 75” a mediados del 2006.
En este CD se aprecia toda su versatilidad para tocar la guitarra y su capacidad para fundir el blues tradicional con un sonido más moderno.
El estilo de violero potente y, por momentos,  pirotécnico de Larry hace una combinación perfecta con su voz profunda.
El excelente trabajo de McCray en la guitarra no queda opacado bajo los demás instrumentos, sino que se mantiene en primer plano como una fuerza conductora.
Escúchenlo y después me cuentan…

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MULATU ASTATKE Ethio Jazz

Mulatu Astatke es un músico de Etiopia. Nació en 1943 en la ciudad de Jimma, Etiopía occidental. Su formación musical se realizó en Londres, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano en el Berklee College of Music. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional de su país.-
Trabajó con muchos artistas de jazz durante la década del 70, entre ellos Duke Ellington.
En 2005, compone parte de la banda sonora de la película de Jim Jarmusch “Broken Flowers”, lo que ha hecho resurgir el interés por su trabajo.
Su música es una fusión de jazz y funk con las raíces de su herencia etíope, además en sus últimos trabajos ha añadido a su música una mezcla de hip-hop, y rock psicodélico.
El disco que les traigo es Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974, es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias en su música. Este disco contiene una excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing. Gran parte del sonido de este disco recuerdan lineas del Swing norteamericano de principio de los '50, siempre con una gran influencia latina. El resultado de este trabajo muestra que Astatke llevó el sonido de su África natal y del jazz un paso mas allá, con la calidad de pocos.

Enrico Pieranunzi "Dream Dance" 2009


Un descubrimiento único, en el mundo de los pianistas, fue para mi cuando recibí una grabación de Enrico Pieranunzi (pianista Romano) de mano de mi amigo Javier Ferrer, quien me hizo conocer y al mismo tiempo fanatizarme con este “tano” que es una mezcla de Bill Evans, Bud Powell, McCoy Tyner y los grandes pianistas de la música clásica.-
Este su nuevo trabajo del año 2009 “Dream Dance” con su trío estable junto a Marc Johnson en contrabajo y Joey Baron en batería.
Pieranunzi es uno de los grandes nombres del jazz Europeo, privilegiado de haber tocado junto a grandes leyendas del jazz como Chet Baker, Charlie Haden y Paul Motian.
Vale la pena prestarle a tensión a temas como "No-nonsense" con un aire clásico y una mezcla de vals, también destacan "Castle of solitude" donde Pieranunzi realiza el solo mas bello del álbum, también destaca "Five plus five" con un contrapunto notable entre Johnson y Baron.-
Por último “Nippono ya-oke” que es la mejor composición e interpretación del CD.
Sin dudas Enrico Pieranunzi es uno de los grandes pianistas de la actualidad del mundo del Jazz y con este trabajo “Dream Dance” reafirma el progresivo avance que ha experimentado su música y el paso firme que tiene hoy en día su trío.-


Them Crooked Vultures

Hoy traigo el que es el mejor proyecto de rock a nivel internacional del 2009/2010, el súper trío Them Crooked Vultures, compuesto por Josh Homme (Queens Of The Stone Age, guitarra), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana, batería) y John Paul Jones (Led Zeppelin, bajo), quienes lanzan su trabajo debut homónimo.
Este disco suena como unos Led Zeppelín del 2000 con cierta onda Blues y con leves tendencias a la psicodelia. En este power-trio se destaca Homme tanto en las voces como a las seis cuerdas, el solidó bajo de John Paul Jones, y la contundencia de Dave Grohl a la batería, la banda descarga todo su talento en 13 cortes que crecen todos ellos con cada escucha.
Es de destacar la onda que John Paul Jones le pone a la banda, quien agrega elementos clásicos al disco
Entran más fácil los primeros temas, como No One Loves Me & Neither Do I o el pegadizo Mind Eraser, No Chaser. A partir del oscuro Dead End Friends y del explosivo arranque de Elephants todo puede pasar en un disco sucio, lleno de impulsos rock, con delicias con un toque bluesero de Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up o Caligulove dulce y cálida con esos teclados a los Doors.
Un disco siempre arriba, energético, y cargado de rock… mucho rock.
Pagina Oficial

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EMIR KUSTURICA & The No Smoking Orchestra


Aprovechando la visita, por primera vez, de Emir Kusturica & No Smoking Orchestra al Alto Valle de Río Negro y Neuquén, comparto con Uds. el video del show “Live Is a Miracle in Buenos Aires” , grabado en el año 2005.-
Hacia fines de los ‘90, Kusturica le presentó al mundo una versión pintoresca y exótica de una sociedad gitana desconocida para Occidente, y se convirtió en un referente cultural del desmoronamiento de lo que fue la Yugoslavia socialista del Mariscal Tito.
La No Smoking Orchestra sintetizó la multiplicidad étnica de los Balcanes (serbios ortodoxos, bosnios musulmanes, croatas católicos, albaneses, macedonios, eslovenos y montenegrinos) en una propuesta musical que simplifica los términos y los hace comprensibles para el resto del mundo.-
Del show visto en Neuquén el 16 de Febrero pasado, rescato al violinista Dejan Sparavalo, quien encabezó geniales improvisaciones que fueron desde el rock hasta el folk centroeuropeo, por supuesto el saxofonista Nesho “Blackbird” Petrovic, que con su formación jazzística aportó los mejores solos de la noche.
El rol de Kusturica queda relegado a un segundo plano y el showman es su vocalista Dr. Nelle Karajlic (cuyo verdadero nombre es Nenad Janković) quien desconcierta tanto con su registro vocal como con sus intervenciones propias de clown a lo largo de todo el show.-
El show que les dejo, para que puedan disfrutar viendo y escuchando, incluye una selección de temas que rescata lo más popular del repertorio de la NSO, se inicia con “Fatal Wounds” y se cierra con “When Life Was a Miracle”, y en el medio los más conocidos “Drang Nach Osten”, “Upside Down”, “Was Romeo Really a Jerk”, “Pitbull Terrier”, “Devil in the Business Class” y “Vasja” y “Wanted Man”.
Espero que disfruten, tanto los que hayan tenido la posibilidad de asistir a sus recitales como los que nunca los vieron en vivo, de este circo musical y caótico que es la No Smoking Orchestra, y que sin dudas se disfruta 100 por ciento cuando es en vivo.-

TRILOK GURTU – “Massical” -2009

Hoy voy a compartir con Uds. el último trabajo del percusionista hindú Trilok Gurtu, para aquellos desconocedores de su carrera musical les cuento que Trilok Gurtu nació en Bombay dentro de una familia muy musical. Su padre toco el sitar y su madre es una cantante clásica de gran popularidad. Trilok se trasladó a Europa, donde comenzó a tocar y adquirir popularidad en Alemania, y en 1984 se unió al grupo Oregón. Además ha compartido escenarios con Don Cherry, Jan Garbarek, Joe Zawinul, Pharoah Sanders, Bob Dylan, R.E.M. , Eric Clapton, Pat Metheny entre otros.

El nuevo álbum se titula “Massical” cuyo título es una declaración de principios: “…Son las “masas”, y no las clases, las que han de tomar las decisiones musicales. Las clases siempre han tenido el dinero, pero siempre hay que intentar llegar a las “masas. Por eso digo que la música es “másica”, no “clásica”…”.
La banda que intervino en la grabación del disco, está compuesta por Carlo Cantini (de Arkè String Quartet) en violín y teclados; Phil Drummy en saxo, flauta y didgeridoo; Johan Berby al bajo y Roland Cabezas a la guitarra. Además figuran invitados como: Sabine Kabongo (de Zap Mama) y Jan Garbarek al saxo. El disco se abre con Seven Notes To Heaven, que responde a la idea básica de que simplemente con siete notas, y sus respectivos semitonos, todo es posible.
Mumbai Shuffle es también otro tema a destacar, donde Trilok demuestra la cercanía musical entre India y África y donde brilla la contribución de la cantante Kalpana. Otro track interesante es Havatight donde hay una combinación musical bellísima, sobre todo la percusión de Trilok que suenan en primer plano. En el tema cuasi espiritual Pathri podemos escuchar sus propios cantos y los coros de Sabine Kabongo. El punto fuerte del CD es Kuruksetra, algo más de once minutos que dedica especialmente al guitarrista John McLaughlin.
Indudablemente Massical es un viaje musical entre oriente y occidente con diálogos entre guitarra, violín y percusiones y es por ello que la música de Trilok Gurtu sigue siendo universal.
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CAMARÓN & TOMATITO

Les dejo este videito del gran cantaor Flamenco: Camarón de la Isla (José Monge Cruz) junto a Tomatito en guitarra. Es del show en Paris en el Cirque d’Hiver de Mayo de 1987.
Es la grabación del CD París 1987 y que también ha sido editado en DVD.
Aquí interpretan el tango “Como el agua”
Ese álbum es una grabación en vivo austera , nada ambiciosa, con la voz increíble de camarón y Tomatito solos ante un público respetuoso, contenidamente ardiente, y en su mayor parte entendido, pues estaba formado por gitanos del sur de Francia y amantes de Camarón.
Los conciertos de París en 1987 marcaron la acepción de Camarón como único embajador internacional del flamenco, su figura era ya un mito en vida, un fenómeno social cuya capacidad de convocatoria era hasta entonces desconocida para el género
Esto va con la dedicatoria especial a mi amigo Francisco Camino Vela, andaluz de pura cepa y aficionado al Sevilla Fútbol Club…

Ringo STARR -- “Liverpool 8”

Hoy comparto con Uds. el trabajo de mi Beatle “favorito”, Ringo Starr, el álbum es del 2008 y su titulo ya es de por si significativo: “Liverpool 8”, como si fuera una declaración de principios y un querer volver a donde “todo” comenzó.
A mi modo de ver este CD estuvo en el Top Five de los mejores álbumes del año 2008, teniendo en cuenta quien es su creador, que hizo (musicalmente) antes y con quien se rodeó para llevar a cabo la grabación.-
El CD contiene 12 temas compuestos y grabados junto a Mark Hudson y Dave Stewart, (ex Eurythmics, junto a Annie Lenox), y es editado por el sello EMI.-
El corte de difusión es el tema que le da título al disco “Liverpool 8”, un tema en plan Beatle, con arreglos vocales, de cuerdas y una melodía pegadiza.-
No se deben dejar pasar por alto: el estribillo pegadizo de “Now That She's Gone Away”, un track que suena exactamente como los Beatles en sus inicios “If It's Love That You Want”, un tema en estilo rocker como “Think About You”, y “Give It A Try” que nos remonta a “Lucy in the sky with diamonds”
Un periodista del diario británico “The Times”, en el 2006, comenzó una campaña para solicitar el título de “Sir” para Ringo, y como si fuera toda una declaración de principios (y por supuesto sentido del humor) a la pregunta de los periodistas de: ¿Estás molesto por no recibir el título?, el gran Ringo contestó: “…No, no quiero ser un Caballero, prefiero ser un duque o un príncipe. Así que si me proponen eso, lo pensaría seriamente…”

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RENAUD GARCIA FONS “La Linea del Sur” - 2009

Hoy le dejo el nuevo albúm del contrabajista Renaud Garcia-Fons. Para aquellos que no lo conozcan y quieran saber de el, les cuento que Renaud es un contrabajista nacido en Francia, pero de origen Catalán, y que ya a la edad de 5 añoscomienza su iniciación musical con el piano y la guitarra clásica, y recién a los 16 descubre el contrabajo. Se dedicó a perfeccionar su técnica con el contrabajo con el maestro François Rabbath, quien le da una visión más extensa de las posibilidades de este instrumento.
Sus fuentes de inspiración musical son múltiples, están cerca de la tradición
flamenca, que él estudia y transmite al contrabajo, pero también el jazz, las músicas mediterráneas y orientales que ha explorado con pasión. Esto dará
lugar a muy diversos encuentros con otros músicos de diferentes culturas como Angéique Ionatos (Grecia), Cheb Mami (Algeria), Dhafer Youssef (Tunisia), Huong Tanh (Vietnam), Kudsi Erguner (Turquía)...

Este nuevo trabajo que les traigo se llama “La linea del Sur” y en el Renaud nos trae nuevamente ritmos complejos y un manejo perfecto de los instrumentos y sus notables sonidos, en la misma linea que sus trabajos anteriores “Oriental Bass”, “Navigatore” y “Arcoluz”.-
Aquí ha incorporado tres canciones cantadas con la ayuda de Esperanza Fernández, una gran cantante de flamenco.
Además del contrabajo de Garcia-Fons los otros instrumentos juegan un papel fundamental: el acordeón que ocupa un lugar protagonista, como una "segunda voz" después del contrabajo y la guitarra flamenca que hace un perfecto trabajo uniendo ambos polos del sonido agudo del acordeón y el grave del bajo; y la percusión como en todos sus discos es increíble y tocada con muy buen gusto sin excederse .
En este disco se acerco más a sus raíces que en otros discos debido a una fusión primariamente de la música Española con la Francesa.
Lo mas atractivo del disco para mí es "La Línea del Sur", la canción que abre y le da título al albúm, vale la pena escuchar el disco por los momentos memorables del cuarteto, y por supuesto harto recomendado como un muy buen disco, por El Melómano.-
 
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Show de RICHARD BONA en Bs. As.


El pasado 8 de Enero de 2010 tuve la grata posibilidad de asistir a un show que fue pura música y me permitió conocer en vivo al brillante bajista camerunés Richard Bona.
Bona con su toque africano entró y salió del jazz a la salsa, al funk y al reggae, en una mezcla única de estilos perfectamente interpretados. La banda que lo acompañó estaba integrada por el tecladista holandés Etienne Stadjick, la sección de vientos con el trompetista Mike Rodríguez y el trombonista Marshall Gilkes, el baterista cubano Ernesto Simpson y el guitarrista de la Isla de Guadalupe Jean Christophe Mallard.
Músico excelente y portador de un gran carisma que bien desplegó arriba del escenario, ganándose al público. Entre tema y tema, bromeó sobre la nacionalidad de sus músicos y sobre lo mejor de la Argentina: el bife de chorizo y el dulce de leche y por supuesto no faltó el tema fútbol donde Bona pronosticó una victoria de Camerún sobre Argentina en la final del Mundial por 1 a 0 (“como sucede siempre”, en alusión a aquel partido de Italia 1990).
De su nuevo álbum interpretó “M’bemba Mama”, “Shiva Mantra” y “Good times”, pero cuando Richard Bona se luce es cuando muestra todo su potencial vocal y lo hizo a capella jugando con su máquina de voces hasta lograr un coro tribal que partía de sus propias cuerdas vocales, sampleándose a sí mismo interpretando desde melodías hasta líneas de bajo. 
Aquí les dejo un videito de esa noche!!!! 


A modo de conclusión y para ir cerrando el show bien arriba la salsa se apoderó del teatro y la sección de vientos puso a todos a bailar al compás de “O sen sen sen”, para luego interpretar “Te dikalo” donde el baterista cubano Ernesto Simpson brindó una clase magistral de ritmo sobre una base funk con un pegadizo son cubano.
El camerunés compartió su magia, talento y versatilidad, a través del bajo y su notable técnica al cantar, transmitiendo una calidez inigualable.
Básicamente lo que Bona nos mostró es como “llevar” un show y hacerlo crecer lentamente manejando tiempos y climas; sencillamente maravilloso.